Allégresse, lyrisme et créativité

Le pianiste, arrangeur et compositeur martiniquais Xavier Belin signe un album prometteur, « PiTakPi ». A la tête de son quartet du même nom, il développe un projet moderne et très personnel. Attaché à sa culture et à la modernité de son écriture, il déborde de créativité. Il compose autour de la clave du « ti-bwa », utilisée dans la musique traditionnelle martiniquaise, mais aussi autour du « ti-bwa », instrument de percussion en bambou frappé avec des baguettes. Du jazz moderne influencé par les musiques afro-descendantes.

A la tête de son quartet (vibraphone, piano, basse, batterie) le pianiste Xavier Belin puise son inspiration dans le jazz le plus moderne mais aussi dans la musique traditionnelle de la Martinique, son île natale. Le terme « PiTakPi » désigne à la fois le nom de son quartet et celui de son album sorti le 16 janvier 2021 sous le label Déluge.

« PiTakPi » fait référence aux onomatopées utilisés pour la clave du « ti-bwa », tak-pi-tak-pi-tak, à partir de laquelle est construite une bonne partie de la musique traditionnelle martiniquaise.

« PiTakPi » … le quartet

S’il a commencé le piano très jeune, aux environs de 7 ans, Xavier Belin s’est très vite intéressé au jazz et après avoir étudié la musique au lycée Bellevue, il rejoint Paris pour poursuivre un cursus de jazz. Pendant 4 ans, il suit les cours International Music Educator of Paris (IMEP ). Puis, sorti major de la promotion 2014, il poursuit ses études pendant 3 ans au Pôle Supérieur de Musique de Paris dont il sort diplômé.

Xavier Belin met à profit enseignements et rencontres ultérieures pour développer un jeu très personnel où lyrisme et composantes rythmiques caribéennes s’allient avec bonheur. Il devient musicien professionnel et en 2018 monte son quartet « PiTakPi ». En 2019, il remporte le prix du jury et le prix du public du Golden Jazz European Trophy.

Autour de lui, le pianiste au jeu métissé et dense a réuni avec le batteur Tilo Bertholo croisé au lycée Bellevue, le bassiste Elvin Bironien rencontré dans les jam sessions parisiennes et le vibraphoniste Alexis Valet côtoyé au Pôle Supérieur de Musique de Paris et avec lequel il a développé une belle complicité.

Le pianiste a choisi le vibraphone comme instrument soliste à ses côtés pour son coté percussif et métallique qui s’allie à merveille avec la teneur de ses compositions. Le jeu technique et très musical du batteur fait merveille aux côtés de la basse ronflante de celui dont la culture musicale très large lui permet de pratiquer avec autant de bonheur, jazz, musique caribéenne et musique cubaine. Un ti-bwa est rajouté aux éléments de la batterie, ce qui donne un son particulier à cette section rythmique au groove imparable.

« PiTakPi » … l’album

Au fil des onze titres du répertoire de l’album « PiTakPi » enregistré à la maison des artistes de Chamonix, les compositions du pianiste croisent deux reprises, Evidence de Thelonious Monk et Fanm matinik dou de Francisco.

L’opus ouvre et se termine avec Intro PiTakPi et Outro PiTakPi, deux titres très courts joués exclusivement avec du « ti-bwa ».

Sur Bagay Cho le vibraphone fait jeu égal avec le piano dont l’improvisation intense et riche en couleur développe un lyrisme et une fougue rythmique qui n’est pas sans évoquer le climat des musiques de Chick Corea. Plus éthéré, An pié tjénet permet d’apprécier une exubérante improvisation du vibraphone auquel répond le piano. Son jeu inspiré et séduisant s’enflamme sur la rythmique incandescente que forment la basse et la batterie.

Plus loin, la basse entame Mz4 sur un rythme rapide. Le thème lumineux est ensuite exposé à l’unisson par le vibraphone et le piano. Le tempo plein d’allégresse n’empêche pas le propos musical de développer un propos poétique en diable.

Après avoir exposé seul un motif réitératif, le piano entame Chatouillage. Rejoint par le vibraphone délicat et la section rythmique, il développe au fil de son improvisation, un lyrisme exalté qui stimule l’inspiration du groupe. Le groupe enchaîne avec Blues bô kay, un blues original et vigoureux où créolité et jazz dialoguent de fort belle manière.

Le répertoire se poursuit avec une chanson traditionnelle martiniquaise de Francisco, Fanm Matinik dou, que le quartet habille de jazz. Sur un motif ostinato que le piano déroule en toile de fond, la mélodie prend forme sous les mailloches du vibraphone puis l’atmosphère se tend entre solo bouillonnant du vibraphone, divagations inspirées du piano, basse pulsatile et batterie ardente. Plus tard, Timanmay tjenbé donne d’abord l’expression à la basse à la sonorité tellurique puis au vibraphone fougueux.

C’est ensuite sur un tempo de jazz latin que le quartet interprète Evidence. Le jeu agile du piano et celui non moins éblouissant du vibraphone, revitalisent avec bonheur la composition de Monk qui enchante l’oreille. Présentée par le vibraphone et le piano, la mélodie chantante de La voisine du dessous inspire une improvisation enjouée et fantaisiste au vibraphone alors que le piano irrigue son chorus d’un climat étrange. De bout en bout de ce titre irrésistible, la rythmique soutient les solistes plus créatifs que jamais.

Transe électrique groovy

Le pianiste, claviériste et compositeur Tony Paeleman présente « The Fuse », son troisième album en tant que leader. A la tête de son trio électrique, il fait exploser les sons jusqu’à la transe. Avec le bassiste Julien Herné et le batteur Stéphane Huchard, il rend hommage aux musiques des années 80. Impossible de résister à la puissance survitaminée de cet album groovy et électrique.

Après deux albums acoustiques, »Slow Motion » (2013) et « Camera Obscura » (2017), Tony Paeleman revient en tant que leader avec « The Fuse », un nouveau projet personnel enregistré en trio dont la sortie est annoncée pour le 22 janvier 2021. Un jazz explosif et électrique aux sonorités très actuelles.

Pendant plus de cinq ans, Tony Paeleman a déployé ses talents sur Rhodes et synthétiseurs auprès de Vincent Peirani ou Anne Pacéo. Aujourd’hui, Tony Paeleman pilote un trio électrique où les sonorités des Rhodes, Wurlitzer, Prophet 6 et piano fusent et éclatent au-dessus du groove organique que tissent la basse électrique de Julien Herné et la batterie de Stéphane Huchard.

« The Fuse » … étincelles musicales

Tony Paeleman a assuré lui-même la prise de son et le mixage de l’album enregistré au studio des Bruères à Poitiers. « The Fuse » est publié sous le label indépendant Shed Music que le claviériste a fondé avec Pierre Perchaud, Christophe Panzani et Karl Jannuska.

De fait, l’album porte bien son nom… du jazz fusion étincelant qui relie passé, présent et futur. Le groove organique de la musique explose de vitalité.

Entre jazz, pop, rock, groove et musique électronique « The Fuse » rend hommage aux années 80. En quarante-trois minutes les neuf titres de « The Fuse » plongent l’oreille dans un concentré de pop-culture qui réactive des souvenirs où jeux vidéos, walkman, boîte à rythme et synthés ont la part belle.

Au fil des titres

Sur les neuf compositions de l’album, sept sont à porter au crédit de Tony Paeleman et deux à celui de Julien Herné.

Avec les instruments qui arrivent l’un après l’autre, Analog Memory annonce la couleur musicale de l’album. Les sonorités électriques font du trapèze au-dessus du groove de la basse et de la batterie. Leur énergie semble inépuisable.

Le motif lancinant qui se répète sur A Dance transforme le morceau en une danse qui confine à la transe. Les sons des synthés se superposent et s’envolent avec lyrisme à l’issue d’un long crescendo. Le climat se fait plus pop avec Sisyphus, la première composition de Julien Herné qui compte un solo de Wurlitzer porté au paroxysme par une basse ronflante et une batterie incisive.

The Fuse ne rompt en rien avec le climat des titres précédents mais il fait alterner des passages planants avec d’insistants épisodes groovy. Composé par Julien Herné, Call me Fonzy mêle jazz funk et électro-pop. Le trio résonne comme un big band et invite à entrer dans une danse effrénée. Plus calme, Afterglow semble empreint d’une douce nostalgie mais n’oublie pas pour autant de groover. Le titre se termine avec un majestueux solo de batterie.

La mélancolie semble s’installer sur le morceau suivant dont le titre reprend l’acronyme anglais AWOL qui désigne une personne disparue. Le climat évoque l’infini des espaces interstellaires dans lesquels les sonorités électriques semblent flotter sans fin. Sur Havoc règne une ambiance plus rock. L’atmosphère se fait chaotique et les sons bizarres qui flottent aux dessus de la rythmique tranchante et pugnace évoquent une épopée guerrière.

Avec Pulses, l’album s’achemine dans une ambiance plus calme et presque méditative. Comme en flottaison, le piano s’invite et l’opus se termine sur une tonalité étrange.

L’envie vient alors de remettre l’album sur la platine pour traverser de nouveau les étapes musicales de cet album fort addictif.

Force émotionnelle et nostalgie poétique

Théo & Valentin Ceccaldi pilotent « Constantine », un voyage musical immersif dans leur histoire familiale. Avec leurs amis du Grand Orchestre du Tricot, le violoniste et le violoncelliste ont invité une myriade d’amis, toutes générations confondues, venus du jazz, du rock ou des musiques traditionnelles. Force émotionnelle, nostalgie poétique et lyrisme flamboyant irriguent cette fresque évocatrice d’exil et d’orient. Il fait bon embarquer dans ce road-movie dépaysant.

Comme les fameux ponts de Constantine sur les gorges du Rhummel, la musique de l’album « Constantine » lance des passerelles entre les cultures et leurs expressions. Avec leur nouveau projet, le violoniste Théo Ceccaldi et le violoncelliste Valentin Ceccaldi racontent un moment de leur histoire familiale. L’Algérie et l’exil constituent le fil rouge de cette saga musicale qui opère un retour sur les origines familiales de leur père Serge, né à Constantine et contraint à quitter l’Algérie en 1962 comme tant d’autres.

Sorti le 27 novembre 2020 en version digitale et le 11 décembre 2020 en album physique, « Constantine » (Brouhaha / L’Autre Distribution) émeut par la puissance de sa force évocatrice et enchante par la diversité de ses couleurs musicales. Avec une grande liberté, les deux frères retravaillent en version orchestrale, quelques-uns des thèmes de théâtre écrits par leur père pour la compagnie Gilles Pajon.

« Constantine » propose une peinture colorée évocatrice d’exil, de déracinement, de colonisation et décolonisation à travers des musiques qui génèrent sensations et impressions. Aussi sûrement que les ponts de Constantine, l’album relie les humains, les disciplines et les musiques.

Entourés par les musiciens du Grand Orchestre du Tricot, Théo & Valentin Ceccaldi font se rencontrer jazz, rock, musiques traditionnelle, classique et contemporaine en invitant Leïla Martial, Thomas de Pourquery, Fantazio, Yom, Abdullah Miniawy, Airelle Besson, Émile Parisien et Michel Portal. La lumineuse pochette de l’album est réalisée par le jeune et talentueux Jean Mallard.

La Tribu des frères Ceccaldi

A vrai dire, Théo & Valentin Ceccaldi sont sur cet album des interprètes discrets qui ont tenu à associer à leur projet leurs amis, leurs compagnons de toujours et de nouveaux venus.

Les compagnons de toujours

Le Grand Orchestre du Tricot constitue la famille de cœur des deux frères Ceccaldi. Avec Quentin Biardeau saxophone ténor, claviers) et Roberto Negro (piano, claviers), ils ont défini les choix esthétiques et procédé aux arrangements. Robin Mercier (récitant) a réécrit l’histoire et mis des mots sur la musique. Gabriel Lemaire (saxophones, clarinettes), Guillaume Aknine (guitares), Quentin Biardeau (saxophone ténor, claviers), Florian Satche (batterie, percussions) et Adrien Chennebault (batterie, percussions) ont posé leurs notes sur lesquelles a veillé Mathieu Pion.

Les amis invités

Il s’agit des musiciens et de musiciennes croisés sur le chemin depuis quelques années.

Fantazio qui a choisi d’aborder Frantz Fanon et la violence coloniale, Abdullah Miniawy, chanteur égyptien qui a quitté son pays pour poursuivre son rêve de créateur, Émile Parisien (saxophone soprano), Leïla Martial (voix), Airelle Besson (trompette), Thomas de Pourquery (voix, saxophone alto), Yom (clarinette) & Michel Portal (bandonéon, clarinette basse) posent leur regard et leur interprétation sur l’histoire collective contée par « Constantine ».

Voyage au fil des pistes de « Constantine »

Leila Martial est invitée sur Ampsaga, nom antique du Rhummel, important cours d’eau de Constantine. Véritable funambule des cordes vocales, elle intervient telle une plasticienne de la voix au-dessus d’un motif lancinant tenu par le collectif. Son chant envoûte l’oreille par ses murmures, ses gazouillis, ses bruitages, ses cris, ses onomatopées, ses scats.

Après l’introduction instrumentale de La règle du scarabée, plusieurs voix s’élèvent et créent un portail opératique dont les vibrations ne sont pas sans rappeler celles du Supersonic Orchestra de Thomas de Pourquery. Avec force, l’Orchestre du Tricot soutient le chant poignant et le solo délirant de son saxophone alto. Sur une ligne musicale baroque conduite par les cordes du violon et du violoncelle, Le retour des perdrix s’achemine vers des contrées orientales où la complainte de la clarinette de Yom insuffle des ondes chargées de sacré et de mysticisme.

Accompagné de la musique bouillonnante du collectif, la voix de Fantazio irrigue Une bonne dose de vent où il évoque la violence coloniale sur un ton plutôt facétieux. Les fantômes de Frantz Fanon, Jean Oury et François Tosquelles sont passés par ici. Sur Falak falak, le chanteur égyptien Abdullah Miniawy déclame un chant oriental auquel répondent les sonorités déchirantes des cordes du violon. Une forte émotion se dégage de cet échange poignant empreint de spiritualité.

La voix de Leïla Martial se déploie ensuite sur le bouleversant Sous les plis de l’aurore. Son chant d’abord délicat gagne en puissance puis se brise en un cri écorché qui flotte au-dessus de l’orchestration flamboyante du collectif. Les échos aux résonances post-rock laissent ensuite place aux percussions.

Avec souplesse, l’enchainement se fait avec Sigognac. Le soprano d’Émile Parisien invite à s’immerger dans une fresque musicale enfiévrée. Après une approche entamée sous le signe de la douceur, le soprano élève son chant lyrique avec puissance, projeté par les cordes du violoncelle au-dessus de l’Orchestre du Tricot. Le morceau se termine en une sarabande enflammée aux accents inquiétants.

L’atmosphère évolue et si la musique de La trace du papillon conserve sa force pulsatile, le jeu précis et clair de la trompette d’Airelle Besson dessine des ondes légères évocatrices d’un vol de papillon. Après d’étranges notes distillées sur les touches du piano et des claviers en guise d’introduction, le morceau s’achemine vers une route impétueuse que les cordes du violon gravissent au-dessus de l’abîme tempétueux tendu par l’orchestre somptueux. Un véritable ravissement !

A mi-chemin entre musique classique, musique argentine et jazz, Michel Portal intervient avec sa maestria habituelle sur l’envoûtant tango Et même le ciel. Son bandonéon fait courir des frissons d’érotisme sur les vagues fougueuses que développe l’Orchestre du Tricot. Les éclats bouillonnants du collectif déclenchent une majestueuse improvisation de la clarinette basse alors que la guitare électrise l’atmosphère.

L’album se termine par Horizon fantôme, un texte écrit et dit par Robin Mercier sur une musique évanescente. Un poème nostalgique évocateur de l’exil et de ses brûlures qui jamais ne s’éteignent.

La musique de « Constantine » emprunte sa force à l’histoire, la restitue et la transcende. Le souvenir ainsi avivé s’en trouve comme magnifié. « Constantine », un album conceptuel et ensoleillé et somptueux.

Premier extrait, Sometimes I feel like a motherless child

Avec une interprétation vibrante du célèbre chant d’esclaves, Sometimes I feel like a motherless child, le saxophoniste Archie Shepp & le pianiste Jason Moran révèlent un premier titre de leur album enregistré en duo. Annoncé pour le 05 février 2021, « Let My People Go » sortira sur Archieball, le label du saxophoniste. Un saxophone, un piano, une voix… des échanges poignants.

Le légendaire saxophoniste Archie Shepp et le pianiste Jason Moran présentent un premier extrait de leur album « Let My People Go » à sortir le 05 février 2021 sur le label Archiball. Réunis autour du thème I feel like a motherless child, le duo livre une version chargée d’émotion de ce célèbre negro-spiritual.

Archie Shepp et les duos saxophone-piano

Figure essentielle du jazz, Archie Shepp a chanté le blues et crié le free. Après sa rencontre avec le pianiste Cecil Taylor, le saxophoniste s’est souvent produit en duo saxophone-piano.

Avec Abdullah Ibrahim il a gravé « Duet » (Denon) en 1978, « Mama Rose » (SteepleChase) avec Jasper Van’t Hof en 1982 et « Eagle’s Flight » avec Tchangodei en 1985. Avec Horace Parlan, il a enregistré « Trouble in Mind » (Steeple Chase) en 1980, « Goin’ Home » (Steeple Chase) en 1986 et « Reunion » (L+R Records) en 1987. Archie Shepp a retrouvé Mal Waldron sur « Left Alone Revisited » (Enja) en 2002.

Sur son label Archieball fondé en 2004 avec Monette Berthomier et Samuel Thiebaut, il a dialogué avec Siegfried Kessler sur « First Take » en 2005 et avec Joachim Kühn sur « Wo!Man » en 2010.

« Let My People Go »

Sur son prochain opus, « Let My People Go » (ArchieBall/L’Autre Distribution) à sortir le 05 février 2021, Archie Shepp renoue avec le duo. Il converse avec le pianiste texan Jason Moran.

Quarante années séparent les deux musiciens. Pourtant la différence d’âge et de parcours musical ne constitue pas un obstacle pour ces ces deux artistes qui regardent ensemble en direction de leurs racines communes. Avec gravité, le saxophoniste et le pianiste portent la parole de ceux qui ont vécu l’abomination de l’esclavage.

Sometimes I feel like a motherless child

Projeté dans le XXIème siècle, ce chant issu de l’histoire afro-américaine du XIXème siècle résonne avec force.

Le piano délivre ses notes dans un espace sonore recueilli. Il accueille et stimule le souffle du soprano au vibrato poignant. Entre blues déchiré et gospel bouleversant, le dialogue se poursuit entre piano et voix. Vibrant d’émotion, le chant hésite entre prière et cri, entre lamentation et révolte.

La force de la musique réside en la fragilité qu’elle exprime.

Au final, huit minutes empreintes d’un désespoir saisissant. Sur la vidéo, on découvre les images filmées le 12 septembre 2017 à la Philharmonie de Paris.