Hommage à la musique de Gato Barbieri

Avec « Ojos De Gato », Giovanni Guidi rend hommage à Gato Barbieri. Dans l’esprit du grand saxophoniste argentin, l’album du pianiste italien propose un voyage dont les escales musicales évoquent de grandes cités urbaines mais aussi le cinéma de Bertolucci et Pasolini et la musique de Franco D’Andrea et Enrico Rava, Don Cherry et Aldo Romano. Onze titres dont les climats évoluent entre délicatesse et tumulte.

Cinquième album de Giovanni Guidi sous le label romain CAM Jazz, « Ojos De Gato » propose onze nouvelles compositions du pianiste italien. Quarante ans après la publication de « The Third World » (1970) du grand saxophoniste argentin Gato Barbieri (1932-2016), le pianiste italien lui rend hommage avec un ensemble fougueux qui réunit James Brandon Lewis (saxophone ténor), Gianluca Petrella (trombone), Brandon Lopez (contrebasse), Chad Taylor (batterie) et Francisco Mela (batterie, percussions).

Si des réminiscences explicites de Gato Barbieri sont perceptibles dans les titres Latino America, Buenos Aires, Ernesto, Roma 1962 et Manhattan, la musique de Giovanni Guidi transgresse la forme du jazz des origines. Ainsi, le compositeur et pianiste italien marque son indépendance vis à vis des règles du passé en inventant d’autres formes d’expression, plus modernes et plus personnelles. A travers les onze titres de « Ojos De Gato », Giovanni Guidi propose un hommage sincère à Leandro Barbieri (1932-2016), dit « Gato » qui, avec sa musique et la sonorité unique de son saxophone ténor, a soutenu la lutte du peuple argentin en souffrance.

L’album

Enregistré en février 2020, sous la supervision du producteur de musique Ermanno Basso, par David Stoller au Samurai Hotel Recording Studio à Astoria de New-York, « Ojos De Gato » a été mixé et masterisé en avril 2021 par Francesco Blasig au East Land Recording Studio à Cormons (GO) en Italie.

Gravée après les premiers épisodes de la pandémie qui a touché le monde, la musique de « Ojos De Gato » témoigne donc de la force qu’elle possède en elle, celle qui lui a permis de s’exprimer dans un contexte pourtant peu favorable à l’expression artistique.

Les musiciens

Le très créatif pianiste Giovanni Guidi est né en 1985 à Foligno, non loin de Pérouse en Italie. A 12 ans, il commence à étudier le piano, lors d’un stage d’été à l’École de Musique de Siena, où il attire déjà l’attention du trompettiste Enrico Rava. Il a commencé sa carrière internationale en accompagnant le trompettiste qu’il rejoint en 2002, à l’âge de seulement 17 ans. Ainsi, il participe au groupe « Rava under 21 » et puis au « Rava New Generation ». Il a ensuite enregistré avec lui en 2011 sur « Tribe » (ECM) au sein du Rava Quintet et en 2012 sur « On The dance Floor » (ECM), en compagnie du groupe Parco della Musica Jazz Lab. Parallèlement à sa collaboration avec Enricon Rava, il joue dans le quartet de Mauro Negri, Le Cosmic Music Orchestra de Gianluca Petrella et avec le trio de Fabrizio Sferra.

Outre ces expériences enrichissantes il creuse parallèlement son propre sillon.

Giovanni Guidi©Agustin Cornej

En 2007, il remporte le Prix des Critiques du magazine Musica Jazz dans la catégorie « Jeune Talent ». Après avoir enregistré en trio « Tomorrow Never Knows » (2006) sous le label japonais Venus, il grave quatre albums sous son propre nom pour Cam Jazz. « Indian Summer » (2007) enregistré en quartet, « The House Behind This One » (2008), « The Unknown Rebel Band » (2009) qui évoque les débuts du Liberation Music Orchestra et « We Don’t Live Here) Anymore » en 2011 où il joue avec le contrebassiste Thomas Morgan. Le pianiste se produit aussi dans de nombreux festivals, Umbria jazz, Vigo, Zurich, Stavanger, Fandango Jazz et North Sea jazz Festival.

Repéré par Manfreid Eicher, Giovanni Guidi sort un premier album en trio en tant que leader chez ECM en 2013, « City of Broken Dreams ». Il continue avec le même trio constitué de Thomas Morgan (contrebasse) et João Lobo (batterie) et en 2015 publie « This is the Day » (ECM). On l’a aussi remarqué en 2016 aux côtés de Gianluca Petrella, Gerald Cleaver et Louis Sclavis, sur « Ida Lupino », nommé album jazz de l’année dans Musica Jazz. En 2017, il participe à la tournée 2017 du quintet d’Enrico Rava & Tomasz Stanko. C’est dans le courant de cette même année 2017 qu’il remporte le prix du meilleur album italien auprès d’un jury de 60 critiques et journalistes de jazz.

En mars 2019, il sort « Avec Le Temps »(ECM/Universal), enregistré aux Studios La Buissonne à Pernes-les-Fontaines en novembre 2017 et produit par Manfred Eicher.

Ainsi, au fil des années, le talentueux pianiste a confirmé ses qualités et mené sa carrière en gardant l’esprit ouvert sur le monde. Sur les onze titres de son dernier album « Ojos De Gato » (CAM Jazz), Giovanni Guidi dirige un quintet de talentueux musiciens, le saxophoniste ténor James Brandon Lewis au jeu puissant et enflammé et à la sonorité poignante, le tromboniste Gianluca Petrella à l’expression aussi ludique qu’accrocheuse, le bouillonnant contrebassiste Brandon Lopez au jeu physique et puissant, le batteur Chad Taylor au tempo toujours précis et partenaire de James Brandon Lewis sur « Live in Willisau » (2020) et le batteur Francisco Mela, expert en percussions latines.

De plage en plage

L’album « Ojos De Gato » ouvre avec Revolución qui démarre en force alors qu’un riff de piano soutient un chant révolutionnaire joué avec spiritualité par les soufflants. Chargé de passion, le ténor rappelle le timbre de Gato Barbieri. Entre défi et chagrin, son jeu véhément proche du cri croise celui du trombone à la puissance peu banale. Le piano fouette les accords renforçant ainsi l’intensité du morceau qui s’élève telle une prière incantatoire jouée par une fanfare aux accents lancinants.

Sur Latino America, on perçoit une inspiration en ligne directe avec les deux disques de « Latino America » de Gato Barbieri. Les soufflants expriment à la fois joie et tristesse et la sonorité écorchée du ténor fait merveille. Buenos Aires résonne comme une complainte mélancolique. Le solo du rutilant trombone resplendit d’audace alors que l’impétueux ténor crache de sulfureuses grappes de notes. Le morceau se termine par la longue progression des percussions et de la batterie qui referment la procession.

Sur un tempo de rumba, le ténor chante avec passion le thème de Ernesto, une ballade au climat nostalgique. Empreinte d’une grande force émotionnelle, l’expression du saxophone possède une sorte de dimension mystique que soutiennent les accords lumineux du piano et le contrechant du trombone.

Dédié au père du pianiste et à Gato Barbieri, Padres (A Papà e Gato) ouvre par les arpèges du piano d’une tonalité fort sentimentale. Le titre résonne comme un « hymne » poignant où les deux soufflants dialoguent avec gravité et force, soutenus par le piano et une section rythmique au jeu bouillonnant. Le climat sonore évoque la musique du Liberation Music Orchestral de Charlie Haden. Manhattan (A Carla e Dollar) fait référence aux collaborations de Gato Barbieri avec Dollar Brand et Carla Bley. Après une introduction très free du groupe dont les expressions sont proches du chaos, trombone, piano et ténor distillent un climat sonore apaisé voire évanescent.

La superbe mélodie de Roma 1962 (A Enrico e Franco) évoque les années de la Dolce Vita durant lesquelles Gato Barbieri jouait avec Enrico Rava et Franco D’Andrea (1962). Un dialogue à trois voix se tisse entre piano, trombone et ténor.

Plus loin, c’est une expression musicale très libre qui caractérise les échanges des protagonistes sur Paris Last dont certains passages confinent à la furie. Café Montmartre (A Aldo e Don) swingue quant à lui dans un style be-bop mais s’octroie aussi une grande proximité avec l’esthétique du free jazz. La sonorité du ténor évoque celle de Gato Barbieri, lorsque son saxophone croisait les notes avec le cornet de Don Cherry et la batterie d’Aldo Romano, comme sur « Togetherness » (1974).

Sur Laura, un morceau au format très court, le piano simplement accompagné d’une batterie fort discrète, s’exprime avec un lyrisme qui frise le romantisme. Un moment étonnant. L’album se termine avec le morceau Ojos De Gato (a Christian). Une chanson joyeuse jouée par les soufflants qui semblent s’amuser avec la section rythmique, dans une ambiance sereine.

Incantation lyrique et énergique

​Ambitieux projet que celui de Christophe Dal Sasso. A la tête d’un big band rehaussé d’un tambour gwo-ka, il revisite « Africa/Brass », l’album de John Coltrane sorti soixante ans plus tôt. Sur le double opus « John Coltrane’s Africa/Brass Revisited », le big band restitue à la musique la puissance spirituelle et humaniste de Coltrane. Servie par des solistes inspirés, la suite musicale somptueuse résonne comme une incantation lyrique autant qu’énergique.

Sorti le 16 novembre 2021, l’opus « John Coltrane’s Africa/Brass Revisited » (jazz&people/PIAS) a été enregistré live, entre les deux confinements de 2020, le 11 septembre 2020 à la Grande Halle de La Villette (Paris) dans le cadre de la 18ème édition du festival « Jazz à La Villette ». Le double album reprend les trois titres de l’album vinyle original de Coltrane, « Africa/Brass », le premier que le saxophoniste ait enregistré pour le label Impulse ! et le seul qu’il n’ait jamais gravé en big band.

En 1961, sur des arrangements d’Eric Dolphy et de McCoy Tyner, John Coltrane a enregistré « Africa/Brass » avec Eric Dolphy, McCoy Tyner, Elvin Jones, les deux contrebassistes, Arthur Davis et Reginald D. Workman et une section de cuivres parmi lesquels Booker Little (trompette) et Freddie Hubbard (trompette). Cet album rend hommage à l’Afrique.

En revisitant « Africa/Brass », Christophe Dal Sasso poursuit son exploration de la musique de Coltrane après son ambitieuse relecture orchestrale des quatre mouvements de la suite originale « A Love Supreme » de Coltrane. Cette fois encore, c’est à son éblouissant big band, élu « Groupe de l’année » aux Victoires du Jazz en 2020, qu’il confie ses arrangements des huit titres de son double album « John Coltrane’s Africa/Brass Revisited ».

« John Coltrane’s Africa/Brass Revisited »

Les huit pièces du double album ont été arrangées par Christophe Dal Sasso. Il en a confié l’interprétation au big band qu’il dirige et dans lequel il tient le pupitre de flûte. Cet orchestre réunit quelques-uns des plus talentueux musicien.ne.s de jazz français, Julien Alour et Quentin Ghomari aux trompettes, Jerry Edwards et Daniel Zimmermann aux trombones, Dominique Mandin au saxophone alto et à la flûte, Thomas Savy à la clarinette basse et au saxophone baryton, Pierre de Bethmann au piano, Manu Marches à la contrebasse, Karl Jannuska à la batterie et Andy Berald-Catelo au tambour gwo-ka et les trois solistes impériaux que sont Géraldine Laurent au saxophone alto, Sophie Alour au saxophone ténor et David El-Malek au saxophone ténor.

En plus de Greensleeves, Blues Minor et Africa, les trois titres de l’album « Africa/Brass », le répertoire de « John Coltrane’s Africa/Brass Revisited » intègre Tunji, Liberia et Naima, trois compositions de Coltrane, ainsi qu’un traditionnel, Song of the Underground Railroad et You Don’t Know What Love Is, une composition de Gene de Paul et Don Raye.

De plage en plage

Le premier disque ouvre avec Tunji, dédié au percussionniste nigérian Babatunde Olatunji. Après une introduction qui sonne comme une psalmodie spirituelle au-dessus des percussions, le saxophoniste David El-Malek s’engage avec conviction dans un solo dont le tissu sonore gagne en épaisseur et en dynamisme au fil des mesures, porté par la pulsation hypnotisante de la batterie et du tambour gwo-ka. Du ténor émergent de fascinantes coulées de notes effervescentes. Greensleeves débute ensuite par une introduction lumineuse du big band, avant que le souffle de Sophie Alour ne s’élève. Elle insuffle un lyrisme frémissant à son ténor, prend des risques et développe un chorus dense qui confine presqu’à l’extase. L’improvisation de Pierre de Bethmann bouscule le tempo et transcende le genre modal du thème qu’il réveille de ses variations personnelles inspirées.

Plus loin, c’est un solo de Karl Jannuska qui introduit Blues Minor. L’orchestre déroule ensuite le thème au fil d’arrangements somptueux. La première improvisation revient à Géraldine Laurent dont le souffle impétueux fait jaillir les notes de son alto, comme des diamants chargés d’émotion. Le baryton de Thomas Savy prend le relais avec une fougue pleine d’éclat. Après une introduction majestueuse de la contrebasse de Manuel Marches et les arrangements rutilants du big band sur Africa, on retrouve le phrasé brûlant et virtuose de David El-Malek qui renouvelle le style coltranien à sa manière. Le flot incessant de notes de son ténor génère une transe spirituelle obsédante. Par son originalité, le solo du pianiste tranche avec la frénésie du ténor et apporte une fraîcheur ressourçante.

Sur Liberia, première plage du second album, l’alto de Géraldine Laurent expose le thème avec profondeur sur les arrangements ciselés de l’orchestre. Son improvisation permet d’apprécier la puissance de sa sonorité et son jeu véloce dont la modernité s’inscrit tout à fait dans la tradition coltranienne. Avec fougue, elle développe des phrasés coupants sur une tessiture très étendue. L’improvisation croisée de la batterie et du tambour gwo-ka évoquent les rythmiques africaines.

C’est ensuite avec lyrisme que le ténor de Sophie Alour débute You Don’t Know What love is. Sur cette ballade qu’aimait jouer Coltrane, la saxophoniste s’exprime avec une suavité toute lestérienne. Avec lyrisme, elle narre une histoire musicale, véritable concentré d’émotions.

Le big band expose ensuite le thème de Song of the Underground Railroad avant que le ténor de David El-Malek ne s’impose magistralement, poussé au dépassement par l’accompagnement foudroyant de la contrebasse et de la batterie. Sur ce tempo vif, le saxophone ardent livre une lutte sans merci avec la batterie. La voix du ténor s’affole, s’éraille dans les aigus, hurle et souffle jusqu’au paroxysme, jusqu’à la transe et la reprise de l’orchestre rutilante.

L’album se termine par une version d’une élégance rare de la célèbre composition de Coltrane, Naima. Sur ce rappel, le piano tisse une variation méditative qui flotte en lévitation. Le ténor de David El-Malek tente de s’élever au-dessus de la mélodie. De son solo impérial se dégage une impression de sérénité et les arrangements joués par le big band contribuent à accentuer plus encore le caractère contemplatif et paisible de ce morceau.

Le fougueux Dal Sasso Big Band fait vibrer la musique de « John Coltrane’s Africa/Brass Revisited » avec une rare intensité. Les couleurs musicales chatoyantes se parent de lyrisme autant que d’élégance. Certes l’énergie est au rendez-vous, mais la subtilité des arrangements et la combinaison habile des instruments à vent contribuent à faire de cet album une réussite incontestable qui concilie puissance et raffinement. Sa force incantatoire est à la mesure de sa charge émotionnelle.

Entre dynamisme et romantisme

Au fil des huit pistes de l’album « Oriundo », le batteur italien Simone Prattico pratique un art qui navigue entre dynamisme et romantisme. Métissage réussi entre sa culture méditerranéenne et la musique afro-américaine, son jazz moderne cultive tout à la fois intensité, souplesse et élégance. Une musique qui génère de tendres émotions.

Après « Brooklyn Sessions » sorti en 2016, le batteur et percussionniste italien Simone Prattico présente son album « Oriundo » (Zamora Productions/L’autre Distribution) sorti le 22 octobre 2021 (digital) et le 12 novembre 2021 (physique).

Les visuels de la pochette s’inspirent de la peinture d’Elvira de Luca, mère de Simone Prattico, chorégraphe, scénographe, costumière et peintre italienne qui fut une figure de l’avant-garde romaine dans les années 70. Par son titre, « Oriundo », l’album fait référence aux descendants d’immigrants, à ceux qui vivent loin de leurs pays mais continuent à porter leur héritage qui témoignent de leurs racines… profil dans lequel s’inscrit tout à fait Simone Prattico.

Musicien au parcours éclectique et aux collaborations prestigieuses, Simone Prattico dispense sur « Oriundo » un jazz contemporain et sans artifice. Dans le respect de la tradition, il prodigue une musique à la fois sensible et dynamique où se combinent les rythmes complexes et délicats de sa batterie.

Simone Prattico

Né à Rome en 1970, Simone Prattico a commencé à jouer de la batterie à l’âge de quatre ans, bercé par la musique napolitaine de sa mère, par le groove des artistes de la Motown qui tournent en boucle dans la chambre du grand frère et par quelques grands maîtres du jazz qu’écoute son père (Art Blakey, Max Roach, Weather Report). Il se met à la batterie jazz à l’âge de quatre ans et prend des leçons avec Roberto Spizzichino, celui qui va devenir le fabricant mondialement réputé de cymbales, vénéré dans le cercle des batteurs jazz.

C’est à Paris, dans les années 1990 que Simone Prattico étudie les percussions avec les maîtres Guy Lefevre et Emmanuel Bourseault. Il obtient le « Certificat d’Aptitude au Professorat » (Licence d’enseignement) de l’École Supérieur de Batterie d’Emmanuel Bourseault en 1992. Déjà un musicien de scène et artiste reconnu, il poursuivit ses études à Nice, en 1997, avec Jean-Paul Ceccarelli au Conservatoire National de Musique.

Très sollicité, le jeune batteur s’adapte à une multitude de langages rythmiques et musicaux en participant à de nombreux projets pop, rock, funk, soul, musique brésilienne et jazz. C’est ainsi qu’il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels entre autres l’Orchestre de Chambre de Paris, Hindi Zahra et Jasser Haj Youssef. Il apparaît dans plus de 30 albums, comme ceux de Daniele Silvestri, Stefano Sabatini, Andrea Beneventano, Dario Deidda, Piers Faccini, Ibrahim Maalouf, Pierre Boussaquet et Cliff Korman et il joue sur les principales scènes internationales (Tokyo jazz Fest., Montreal jazz Fest., Philharmonie de Paris, Billboard live, Olympia, Womad …).

En 2005, Simone Prattico déménage à Paris et forme un trio avec Ricardo Feijao (basse) et Laurent de Oliveira (piano). Durant cette période il est à l’affiche de nombreux festivals de musique français et italiens. En 2011, à New York, le batteur forme un nouveau trio avec la contrebassiste Brandi Disterheft et le pianiste Klaus Mueller avec lesquels il enregistre l’album « Brooklyn Sessions » sorti en 2016. Un jazz aux rythmiques intenses et aux mélodies sophistiquées.

« Oriundo », les musiciens

Sur « Oriundo », Simone Prattico retrouve Klaus Mueller, le pianiste déjà présent à ses côtés sur « Brooklyn Sessions », un musicien qui fait partie intégrante de la scène new-yorkaise du jazz et de la musique brésilienne.

Hormis sur les deux titres où il joue solo (Village Debate & That’s it), Simone Prattico a confié la partition de basse à deux musiciens. Essiet Okon Essiet intervient sur quatre titres et Edward Perez sur deux morceaux (Push and Pull & Helene). Exposé très jeune à de nombreuses cultures, le premier dirige son propre groupe « IBO » (nom d’une tribu nigériane, du jazz nigérian qui mêle harmonies jazz et rythmes d’Afrique de l’Ouest. Le second a commencé sa carrière comme bassiste de jazz mais s’est orienté ensuite vers le latin-jazz et les styles traditionnels d’Amérique du Sud (Pérou, Colombie, Brésil, …) et codirige avec le saxophoniste Michael Thomas, le « Terraza Big Band », un groupe de jazz qui réunit dix-huit des meilleurs jeunes musiciens de la scène new-yorkaise).

Sur Bay Ridge et sur Push and Pull, le groupe est augmenté d’une section de cordes composée de Gregor Hubner (violon), Carrie Frey (alto) et Rubin Khodeli (violoncelle).

« Oriundo », l’album

Des Quartieri Spagnoli (les quartiers espagnols de Naples ou de Manhattan) à Tanger, en passant par Bay Risge (un quartier de Brooklyn), « Oriundo » propose un voyage international. Si énergie et dynamisme font partie du casting, élégance et poésie s’invitent aussi sur cet album.

Toutes les compositions de l’album sont signées de Simone Prattico et Klaus Mueller, hormis le titre Promise Me You’ll Remember crédité à Carmine Coppola.

Dès le morceau d’ouverture, Quartieri Spagnoli, on perçoit combien la musique résulte d’une savante et subtile alchimie entre la culture méditerranéenne du leader et l’empreinte de la musique afro-américaine. Après l’exposition par le piano de la mélodie, tantôt bondissante tantôt calme, le solo au toucher mordant et inspiré du pianiste évoque quelque peu le style du regretté Corea. Le batteur offre ensuite une improvisation gorgée d’un groove punchy. Après ce morceau aux teintes afro-funk, se profile Bay Ridge. Exposé par le pianiste qui effleure son clavier et le violoncelle joué en contrepoint, le thème rend hommage au quartier de Brooklyn. Les balais du batteur ponctuent avec délicatesse le propos musical de cette ballade romantique en diable.

Après un solo introductif de la batterie, c’est un riff énergique de la contrebasse qui propulse Push and Pull. Avec les cordes pour écrins, le piano reprend inlassablement le riff lancinant puis le climat change et se fait bluesy. Porté par la batterie pulsatile et la ligne de basse inspirée, le piano impétueux prend la parole puis le riff revient comme une obsession et pour finir… tout s’arrête net. C’est aux mailloches que le batteur entame Helene, une ballade délicate toute en suspension. Notes ciselées du piano, harmonies pleines de grâce, improvisation lyrique de la contrebasse… une douce rêverie.

Exit le piano sur Tanger, bienvenue au Fender Rhodes. La rythmique complexe fait de ce morceau enlevé un moment essentiel de l’album. Toute en légèreté, l’improvisation du Fender participe au climat aérien du morceau. Le solo incisif et énergique du batteur impressionne par sa souplesse et sa complexité.

Sur Village Debate, seul sur sa batterie, le leader propose une improvisation riche en couleurs et en figures rythmiques. Un moment plein de vie qui immerge l’oreille dans une atmosphère enivrante et fait naître des images de danses africaines et de réunions animées mais tout se termine dans le calme. Après un tel concentré d’énergie, Promise Me You’ll Remember tombe à pic. Piano, contrebasse et balais distillent une superbe ballade dont chaque note frémit d’élégance et de sensibilité. L’art de la romance propulsé au firmament !

L’album se termine par That’s It, un solo de percussions/batterie qui propose un voyage rythmique aux dimensions quasi initiatiques. Telle une incantation pacifique, la batucada fait naître un climat ensorcelant et évoque une procession paisible et enjouée.