Album aux ambiances festives et hypnotiques

Le multi-instrumentiste, improvisateur et beatboxer, Stracho Temelkovski signe son premier album « The Sound Braka ». Aux confluences du jazz, des musiques improvisées et des musiques du monde, l’album réunit autour du leader ses « frères de son ». Des formations à géométrie variable proposent des musiques issues des cultures populaires orales et des musiques savantes. Entre ambiances festives et hypnotiques se crée une alchimie naturelle. Un univers musical aux accents universels où les rythmes frénétiques des Balkans croisent des poésies jazzy. Un album singulier chargé d’humanité.

Avec « The Sound Braka » (Musika Songes/MDC/PIAS) annoncé pour le 30 octobre 2020, le musicien Stracho Temelkovski signe un opus qui condense et magnifie les patrimoines musicaux des Balkans, de la Méditerranée et l’Orient (proche et extrême), des faubourgs de Buenos Aires et le jazz. Ce disque est l’aboutissement d’un véritable processus de maturation.

Il a pris sa forme actuelle lors d’une résidence de création à l’Amphi Jazz de l’Opéra de Lyon en mai 2018 à laquelle Stracho Temelkovski a convié ses « frères de son », tous virtuoses et complices, pour créer ensemble un répertoire unique.

Du solo à l’octet, Stracho Temelkovski partage ses aventures musicales avec des artistes venus de différents horizons et avec eux, il trace sa route entre jazz, harmonies balkaniques, latines et orientales, rythmes asymétriques et sons urbains. Basée sur l’échange la musique de « The Sound Braka » possède des vertus essentielles. Elle respire et apporte la preuve que les échanges sont porteurs de fraternité et fédèrent au-delà des différences culturelles. Elle réconforte et dynamise.

Stracho Temelkovski

Autodidacte, Stracho Temelkovski possède une formation musicale basée sur l’échange, les rencontres et la transmission orale. Virtuose et sensible, Stracho Temelkovski passe avec une aisance déconcertante de la basse à la mandole, de la viola à la guitare électrique et pratique aussi percussions et beatbox. Du pays de ses origines, la Macédoine, il emprunte les sons envoûtants, les rythmes asymétriques et la ferveur des fanfares instrumentales des Balkans.

Stracho Temelkovsk©Laurie Diaz

Né à Grenoble dans une famille macédonienne, Stracho Temelkovski a appris tout jeune les rudiments de la guitare électrique, de la basse, des percussions, du sampling et de la programmation. Avec son premier groupe « Kassinga » fondé à 15 ans, il mêle avec sonorités jazz-funk et dub auxquelles il ajoute une touche orientale.

En 2003, il remplace au pied levé le bassiste de jazz américain Steve Swallow sur un projet du musicien et poète Antonio Placer, avec lequel il développe la polyvalence instrumentale qui deviendra sa véritable signature. Cette collaboration se poursuit sur « The Sound Braka », où les deux compositeurs co-signent deux titres, La mélo doucha man et Manzanilla.

Stracho Temelkovski a aussi collaboré avec Gnawa Diffusion, MIG (avec Djazia Satour) et le pianiste Omar Sosa dont il a assuré fin 2015, la première partie d’un concert près de Grenoble. Leur rencontre crée des liens musicaux complices qui débouchent sur trois concerts en duo. Le troisième est enregistré et donne lieu à la sortie de « Live in Seynod », un EP digital sorti en juillet 2020. Amateur de danse contemporaine, Stracho Temelkovski s’est également associé à des chorégraphes (François Veyrunes, Sylvère Lamotte) pour lesquels il compose et interprète la musique de leurs spectacles.

Stracho Temelkovski©Laurie Diaz

Connaisseur des musiques actuelles, Stracho Temelkovski crée un pont entre les musiques savantes et les musiques traditionnelles et populaires. Ses influences se situent entre « Bach, Dr Dre, Prodigy, Django Reinhardt , Paco de Lucia et Daft Punk ». Il aime à croiser les expériences avec des artistes venus d’autres horizons, comme les conteurs Louis Soret et Melisdjane Sezer, le pianiste Jean-Marie Machado et son Orchestre Danzas, le flûtiste Joce Mienniel dont la création « Babel » réunit des musiciens traditionnels venant de Syrie, d’Italie, du Pakistan, de Macédoine, de Belgique et de France.

Très impliqué dans le tissu associatif local, il manifeste un fort intérêt pour la médiation culturelle. Il intervient auprès des scolaires et dans les quartiers et a animé des ateliers en milieu carcéral. Il a réalisé des sessions en prison et découvert le beatbox via un jeune détenu, Mourad. Par ailleurs, dans une prison pour femmes, il a rencontré une détenue originaire du Cap-Vert qui « est venue lire des poèmes écrits sur un cahier pour ses enfants » alors qu’il jouait une samba à la guitare acoustique. Cet échange chargé d’humanité lui a inspiré le climat à la fois oppressant et joyeux de « Saudade des Baumettes », un des titres de l’album « The Sound Braka ».

Guitariste, percussionniste, compositeur et arrangeur, Stracho Temelkovski évoque sa musique « viscérale » comme « un chant de cordes et de percussions » qui « prend sa source dans les Balkans et se nourrit d’autres sonorités, celles de [s]a réalité. Les sons se rencontrent et dialoguent, entre Orient et Occident, ils sont le reflet de [s]on identité. Fruits d’une culture hétéroclite, ils rappellent que [s]es racines ont aussi poussé dans le bitume. Ce cheminement est intuitif, il [l]’amène à jouer des mélodies improvisées et hypnotiques. En privilégiant le sens et l’instant, il semble que le temps ait une autre valeur, comme affranchi de toutes cadences inhumaines. »

« The Sound Braka »

L’origine du projet part du spectacle solo puis du trio avec Jean-François Baëz (accordéon) et Jean-Charles Richard (saxophones) qui s’est étoffé en studio en quintet et en sextet sur les deux derniers jours de l’enregistrement

Ainsi Stracho Temelkovski (basse, mandole, daf, bendir, cymbale et udu, beatbox, guitares) partage son répertoire avec ses « frères » musiciens, Jean-François Baëz, Jean-Charles Richard, Ashraf Sharif Khan (sitar), Jean-Marie Machado (piano), Antony Gatta (percussions). Sur six titres, il convie d’autres complices, Aziz Maysour (guembri), François Thuillier (tuba), Shyam Goswami (chant), Iyad Haimour (flute ney), Fred « Brain » Monestier (synthétiseur) et Pascal Messaouidi (additional sound design).

Hormis les deux titres conçus avec Antonio Placer, Stracho Temelkovski signe les six autres morceaux de l’album dont les mélodies lui viennent « en connection avec son vécu ». Enregistré au studio La Buissonne et à la Bobine de Grenoble, « The Sound Braka » est produit par Stracho Temelkovski and Fred « Brain » Monestier. Son visuel a été réalisé en collaboration avec Laurie Diaz qui a pris des photos sur les pentes de la Croix-Rousse à Lyon et avec Julien Blanchet responsable d’un design, élégant, épuré et accessible.

Voyage au fil des titres

Le guembri, la basse et la guitare entament Du dernier au premier soupir avec une mélopée répétitive orientale entrecoupée de voix urbaines. Telle une prière envoutante, elle se densifie avec l’entrée du sitar, de la flûte ney, des percussions. C’est ensuite au soprano de Jean-Charles Richard d’entrer en scène. Ses circonvolutions spiralées débordantes de vitalité sont soutenues par le piano de Jean-Marie Machado et l’accordéon de Jean-François Baëz. Leurs improvisations jazz font respirer la mélodie.

Le répertoire se poursuit avec Saudade des Baumettes qui ouvre par la mélodie jouée à l’unisson par la basse, piano, saxophone et accordéon alors que le leader fait aussi résonner ses percussions vocales. Les sonorités orientales évocatrices de l’écriture de Rabih Abou-Khalil croisent de nostalgiques rythmes argentins. Comme porté par un tapis volant, le soprano aérien virevolte et avec le sitar d’Ashraf Sharif Khan ouvre la porte qui mène à la libération. Avec Gipsy, le voyage musical se poursuit entre un rythme salsa tenu par le piano et des sonorités de fanfare balkanique que soutient le tuba de François Thuillier. L’accordéon s’en donne à cœur joie sur le riff du baryton qui s’emballe avant de laisser s’exprimer le sitar exalté. Un délice que cette musique frénétique aux accents universels !

Le climat se fait plus nostalgique avec La Mélo Doucha Man. L’accordéon introduit la complainte, relayé ensuite par le sitar puis par le soprano qui s’évade dans les aigus. Sur une rythmique complexe, la mélodie est portée par l’ensemble des instruments bouillonnants rejoints par le tuba. Débuté sur un tempo de tango argentin, Manzanilla s’évade ensuite vers l’orient avec la flûte ney puis le baryton lyrique la rejoint et tous réunis, les musiciens convient la musique à s’enfiévrer comme le font si bien les fanfares balkaniques.

Plus loin, sur Le miel de la vie, piano et baryton entament une berceuse qui se transforme peu à peu en une offrande spirituelle portée dans un premier mouvement par le sitar. La basse et les percussions s’impliquent puis l’accordéon prend le relais avant que le baryton n’invite ses compères à festoyer au son des ardents rythmes balkaniques. Place ensuite à Make Dunia. Sur un motif réitératif de la basse ponctué par le beatbox, soprano, guembri, accordéon et sitar chantent la mélodie alors que percussions et tuba ne s’en laissent pas conter. Une véritable invitation à danser en rondes ouvertes !

L’album se termine avec Odimé Siné. Cette composition réalise une véritable alchimie entre la musique orientale traditionnelle exprimée par le piano, le sitar et la voix de Shyam Goswami et les improvisations jazz du sitar et du soprano fougueux et aérien.

Avec « The Sound Braka », Stracho Temelkovski signe un opus dont les atmosphères festives et hypnotiques incitent autant à la danse qu’à la réflexion. Un modèle réussi de coexistence entre les musiques populaires et les musiques savantes. Une invitation à développer une écoute ouverte et à porter un regard bienveillant sur la pluralité culturelle. Un disque porteur d’un humanisme tempéré qu’il fait bon partager largement.

Plusieurs concerts se profilent pour écouter la musique de « The Sound Braka ». RV le 04 Décembre 2020 à 22h30 au Foyer Méditerranée à Juan-Les-Pins (06) dans le cadre du Jammin’Juan Festival avec le trio de Stracho Temelkovski (basse, mandole, viola, percussions, beatbox) qui réunit à ses côtés Jean-François Baëz (accordéon) et Jean-Charles Richard (saxophones). RV le 09 Décembre 2020 à 20h à Paris (75) au Bal Blomet, où Ashraf Sharif Khan (sitar) rejoint le trio du leader. RV aussi le 16 Décembre 2020 à 20h30 à La Source - Fontaine (38) dans le cadre du festival Les Détours de Babel Festival où Stracho Temelkovski propose un feu s’artifice musical avec le quartet qui accueille Jean-Marie Machado (piano) et Iyad Haimour (flûte ney). Pas question de bouder son plaisir !

Un hommage éblouissant et jubilatoire

Sur « Remembering Jaco », le Multiquarium Big Band d’André Charlier et Benoît Sourisse fait revivre la mémoire de Jaco Pastorius avec Biréli Lagrène à la basse fretless. La voix de Peter Erskine, ancien batteur de Weather Report, évoque la mémoire de Jaco. Les dix-sept musiciens de l’orchestre et leur invité rendent un hommage éblouissant au grand bassiste. Orchestrations éclatantes et jubilatoires… du groove à couper le souffle !

Avec « Remembering Jaco » (Naïve/Believe), sorti le 16 octobre 2020, la paire Charlier/Sourisse fait vibrer son Multiquarium Big Band à travers la musique d’un géant, Jaco Pastorius (1951-1987).

Un hommage inspiré rendu à ce bassiste qui a bouleversé son époque, a émancipé la basse de son rôle de rythmique et révolutionné l’art de la basse fretless. Le batteur André Charlier et le pianiste Benoît Sourisse ont invité Biréli Lagrène à les rejoindre, lui qui, à la guitare, avait enregistré « Heavy’n Jazz » avec Jaco Pastorius et tourné avec lui en Europe en 1986. Avec le Multiquarium Big Band de Charlier & Sourisse, Biréli Lagrène délaisse sa guitare et endosse le rôle du bassiste, ce qu’il réussit avec maestria.

Les huit plages musicales sont ponctuées par quatre interventions narratives de Peter Erkisne, qui a été batteur de Weather Report, a joué avec Jaco Pastorius et l’a fort bien connu.

Par sa dynamique sidérante, ses arrangements vigoureux, sa rythmique enflammée et les chorus éblouissants des solistes, « Remembering Jaco » fait revivre l’âme de la musique de Jaco Pastorius et rend un hommage sublime à celui qui aimait à se définir lui-même comme le plus grand bassiste de tous les temps.

Multiquarium Big Band

Avec ses dix-sept talentueux musiciens, le Multiquarium Big Band est taillé sur mesure pour reprendre quelques-uns des titres phares de Jaco Pastorius.

Mené par Benoît Sourisse (piano, orgue hammond, Fender Rhodes) et André Charlier (batterie), le big band réunit une éblouissante section de saxophones/clarinettes avec Stéphane Chausse (saxophone alto, clarinette), Lucas St-Cricq (saxophones alto et ténor), Stéphane Guillaume (saxophones soprano et ténor, flûte, clarinette), Fred Borey (saxophone ténor), Fred Couderc (saxophone baryton, clarinette basse), une rutilante section de trompettes avec Claude Egéa, Pierre Drevet, Erick Poirier, Yves Le Carboulec (trompette, flugelhorn), la somptueuse section de trombones avec Denis Leloup, Damien Verherve, Philippe Georges, Didier Havet (trombone basse, tuba), le brillant guitariste Pierre Perchaud et Nicolas Charlier dont les percussions ajoutent leurs force et leurs couleurs à la puissante batterie de son père.

Biréli Lagrène, qui joue de la basse depuis trente ans, intervient sur tous les morceaux à la basse fretless sur laquelle il s’exprime avec la même efficacité et la même virtuosité qu’il a coutume de le faire sur sa guitare. Ses chorus sur Used to be a Cha Cha et Teen Town sont lumineux et sublimes. Quant à Yannick Boudruche, il chante avec une ferveur poignante sur Fanny Mae.

« Remembering Jaco »

Le répertoire de l’album propose sept compositions du natif de Fort Lauderdale gravées sur les albums « Word of Mouth (1981), “Twins I & II live” (1982), “Invitation” (1983) et “The Birthday Concert” (1995) et aussi Speak like a child d’Herbie Hancock, Palladium de Wayne Shorter et Fanny Brown de Buster Brown.

Les arrangements ont été confiés à Benoît Sourisse pour Used to be a Cha Cha, Nicolas Folmer pour Liberty City (Intro) / Invitation, Pierre Drevet pour Palladium et Stéphane Guillaume pour Barbary Coast, Teen Town et Fanny Mae.

Dans ses quatre interventions parlées, Peter Erskine dit le plaisir qu’il a eu à jouer avec Jaco Pastorius. Il loue la précision rythmique du bassiste, la perfection de l’intonation de sa basse fretless, son intelligence musicale hors du commun et sa capacité à embrasser la musique et à la sublimer. Le batteur évoque aussi le destin tragique de ce musicien unique qui, tel Icare dont les ailes de cire avaient fondu en s’approchant du soleil, a connu la trajectoire d’une comète au firmament du jazz. « Jaco was… Jaco ».

Au fil des titres

Le Multiquarium Big Band revitalise la version de Used to Be a Cha Cha qui figurait sur l’album « Jaco Pastorius » de 1976 où Jaco est en compagnie d’Herbie Hancock (piano), Hubert Laws (flûte), Lenny White (batterie) et Don Elias (congas). Après le solo sublime de Biréli Lagrène à la basse, Stéphane Guillaume se lance dans une fougueuse improvisation à la flûte, comme dans la version originale. Un pur moment de jubilation musicale.

Plus loin, sur le motif d’intro de Barbary Coast impulsé par la basse au style funk, le big band expose la mélodie tout en syncopes et en riff rutilants. L’alto de Lucas St-Cricq offre ensuite un solo fulminant suivi par un chorus ciselé du piano de Benoît Sourisse. Sur les arrangements de Stéphane Guillaume, le big band groove à fond.

Après un interlude de Peter Erskine, sur l’Intro de Liberty City, la basse de Biréli Lagrène rayonne en parfaite communion avec la clarinette basse de Fred Couderc puis avec l’orchestre qui entame Continuum. Comme par magie, la musique s’élève sans trahir l’esprit de l’album « Invitation » de 1983. Biréli Lagrène enchaîne des combinaisons variées de doubles croches et de triolets entrelacés et en octave. Après une fin nostalgique, le big band enchaîne avec Kuru et Speak Like a child, dont l’exposition est éclatante. Soutenu par une orchestration dense et riche en couleurs latines, le piano s’exprime avec exaltation puis le saxophone ténor de Frédéric Borey s’enflamme et entraîne avec lui la rythmique percussive.

Advient alors le fameux Teen Town sur lequel Bireli Lagrène tient la ligne de basse en harmonie avec la clarinette basse. On frémit à l’écoute du brillant solo de basse joué avec la même intensité frénétique que celui de la version originale enregistrée par Jaco Pastorius avec Weather Report sur l’album « Heavy Weather » sorti en 1977. Un seul mot convient pour qualifier ce moment musical… jouissif !

Three Views of Secret permet ensuite de percevoir la dimension mingusienne de l’héritage de Jaco Pastorius. Pour cette ballade intense à la couleur dramatique, le Mutiquarium Big Band s’inspire de la version de « Word of Mouth » de 1981. La mélodie bluesy est confiée à la clarinette au son majestueux de Stéphane Chaume. Au fluegelhorn, Pierre Drevet développe de belles modulations sur le motif répétitif joué par le big band qui restitue avec flamboyance une des plus belles compositions de Pastorius qui prend les allures d’un requiem. Le morceau sonne comme une véritable célébration.

Le Multiquarium Big Band conserve son caractère dansant à Palladium, la composition de Wayne Shorter, enregistrée par Jaco Pastorius avec Weather Report sur l’album « Heavy Weather ». Sur des arrangements de Pierre Drevet, l’orchestre le revisite avec éclat, en mettant l’accent sur une rythmique de basse funk. Les furieuses envolées breckeriennes du saxophone de Stéphane Guillaume et la prestation fulgurante de la trompette de Pierre Drevet comblent l’oreille qui succombe à l’écoute de cette version d’une puissance inouïe.

L’hommage se conclut avec Fanny Mae que Jaco reprenait sur scène en chantant. C’est Yannick Boudruche qui prête sa voix à ce vieux tube de R&B. On trépigne frénétiquement sur le tempo de rock bluesy quand intervient l’orgue de Benoît Sourisse et le trombone de Damien Verherve au-dessus des généreuses interventions de l’orchestre.

« Remembering Jaco » agit comme un véritable bain de jouvence. Un vaccin anti morosité qui régénère et dynamise… 47′ de pur bonheur, à partager largement !

Pour faire le plein d’énergie, RV avec le Multiquarium Big Band d’André Charlier et Benoît Sourisse avec Biréli Lagrène, le 17 octobre 2020, à 17h30 au Centre Culturel Marc Brinon à Saint-Thibault-des-Vignes (77), le 25 novembre 2020 dans le cadre du Monte-Carlo Jazz Festival et le 13 décembre 2020 à 17h, à L’Equinoxe de Chateauroux.

La musique sublime les mots

Sur leur nouvel opus, Fred Pallem & Le Sacre du Tympan font plus que raconter les Fables de la Fontaine. Leur musique réveille les textes du grand fabuliste qui s’en trouvent sublimés. Avec un brin d’insolence et un zeste d’amusement, les voix des récitants projettent dans le 21ème siècle les mots du 17ème qui demeurent d’une grande actualité. Les oreilles se régalent de ces quatorze titres où mots et musique s’accordent pour le meilleur.

Depuis 2002, le parcours de Fred Pallem témoigne d’hommages… au cinéma qui l’a nourri avec « Soundtrax » (2010), au compositeur de musiques de film François de Roubaix (2015), à l’esprit des films blaxploitation des années 70 avec « Soul Cinéma » (2017), aux dessins animés avec « Cartoons » (2017). En 2018, il livre l’épique « L’Odyssée » dont les huit compositions sonnent comme une BO.

En 2020, sur « Fred Pallem & le Sacre du Tympan racontent les Fables de la Fontaine » (Train Fantôme/l’Autre Distribution) à sortir le 16 octobre 2020, les mots se font complices de la musique… à moins qu’il ne s’agisse de l’inverse.

« Tout d’abord j’avais envie de composer de la musique autour d’une voix parlée ; m’imprégner du rythme des mots et de leurs sons, ressentir le tempo de la diction, puis écrire de la musique à partir de cela. Nous avons donc enregistré les voix en premier et les musiques ensuite. »

Les fables

Comment, parmi les deux-cent-quarante-trois fables de Jean de La Fontaine (1621-1695) Fred Pallem a-t-il déterminé celles qu’il allait doter d’un habillage musical ? Il ne s’en est point épanché mais au final, il en a choisi quatorze, toutes d’une fort grande actualité.

S’il donne à découvrir une fable érotique oubliée, Aimons, Foutons, certaines font partie de celles qui ont été et sont encore enseignées aux enfants de France comme Le héron, Les animaux malades de la peste, Le lion amoureux, La grenouille qui voulait se faire aussi grande que le bœuf, Le rat des villes et le rat des champs et Le Loup et l’agneau.

D’autres, certes moins familières, reviennent néanmoins en mémoire dès l’écoute, Le loup et le chien, L’enfant et le maître d’école, L’avare qui avait perdu son trésor, La forêt et le bûcheron, Les deux mulets et La mort et le malheureux.

Chacune des quatorze fables propose un climat particulier mais il saute aux oreilles comme une évidence. Sur chaque plage, deux musiques coexistent et se valorisent, celle des mots que délivrent les voix entre rap et poésie, et celle des instruments.

Les voix

Parmi les voix qui (ra)content les fables de La Fontaine choisies par Fred Pallem, on retrouve celles des fidèles comme Thomas de Pourquery (Aimons, Foutons), Sandra Nkaké (Les deux mulets), Dom Farkas (Le héron), Elise Caron (L’avare qui avait perdu son trésor), Marcel Kanche (La mort et le malheureux) mais aussi celles de l’humoriste Nicole Ferroni (Les animaux malades de la peste), de la productrice radio Rebecca Manzoni (Le loup et le chien), du comédien Thomas Scimeca (La grenouille qui voulait se faire aussi grande que le bœuf) ou encore Pascal Mendelson (L’homme et la couleuvre).

On craque littéralement pour Le Loup et l’agneau conté par Arnaud Aymard aka L’Oiseau Bleu.

Les climats musicaux

Les quatorze titres empruntent à différentes formes musicales chères au bassiste compositeur, country, funk, soul, musique de film, musique classique, musique contemporaine. Une section rythmique réunit la guitare de Ludovic Bruni et la batterie de Vincent Taeger et Fred Pallem s’est chargé des autres instruments (Burns Bison 1964, Fender Jazz Bass 1963, Roland SH2000, Baldwin Harpsichord, Hohner Clavinet D6, Wurlitzer 200A, Korg MS20, Celesta, guimbarde, …).

Sur Le Lion Amoureux, la flûte alto de Rémi Sciuto rejoint la voix de Barbara Carlotti. Une section de cordes intervient sur huit des quatorze titres, seule ou en association avec les autres instruments. Thomas De Pourquery ne se contente pas de poser sa voix sur la fable érotique de Jean de La Fontaine, il émaille Aimons, Foutons d’un éruptif solo de son saxophone alto.

Fred Pallem & Le Sacre du Tympan ont réussi un superbe défi : parer d’un groove très actuel les traditionnelles Fables de la Fontaine. Pourvu que les enseignants de France y soient sensibles et proposent cette réalisation singulière comme modèle aux enfants afin de les engager à leur tour à s’exprimer de manière libre et créative… en attendant, voix, cordes et rythmiques font vibrer les tympans des adultes curieux.

Rendez-vous en 2021, le 20 février à 18h, le 21 février à 11h et 16h30 à la Philharmonie de Paris pour écouter en live, les Fables de la Fontaine par Fred Pallem & Le Sacre du Tympan.

Vibrations aériennes et telluriques

« Solo(s) » de Lionel Martin, un projet sonore organique et hypnotique. Une bande son nomade captée par Bertrand Larrieu au fil de déambulations urbaines. Cinq morceaux où alternent vibrations aériennes et telluriques. Créditée à Robert Combas, la pochette restitue la douce folie de ce « Mad Sax » qui ne cesse de renouveler son inspiration. Du 07 au 17 octobre 2020, le saxophoniste vit et joue dans un container devenu squat artistique où il propose ses « Variations musicales » durant le « Grand Barouf » du « Rhino Jazz(s) ». Lionel Martin, toujours énergique et libre !

Sorti le 02 octobre 2020 en version digitale sur le label Cristal Records et en album vinyle sur Ouch! Records, « Solo(s) » de Lionel Martin vibre d’une énergie brute alimentée en prise directe avec l’environnement. Les textures sonores de l’album évoluent entre jazz et musique électronique avec de fulgurantes déchirures ouvertes sur un post-rock réinventé.

En sous-titrant son album « Solo(s) », « Je est un autre », Lionel Martin inscrit son inspiration dans les traces d’Arthur Rimbaud…

« Car Je est un autre. Si le cuivre s’éveille clairon, il n’y a rien de sa faute. Cela m’est évident : j’assiste à l’éclosion de ma pensée : je la regarde, je l’écoute : je lance un coup d’archet : la symphonie fait son remuement dans les profondeurs, ou vient d’un bond sur la scène. »

Lionel Martin, musicien, mais pas que…

Toujours épris de liberté, Lionel Martin diversifie ses aventures musicales.

Après ses aventures avec le « Trio Résistances », on l’a retrouvé en duo avec le pianiste Mario Stanchev autour des compositions de Louis Moreau Gottschalk sur « Jazz Before Jazz », en duo encore avec le batteur Sangoma Everett autour du disque « Afrique » de Count Basie sur « Revisiting Afrique », avec le groupe uKanDanZ dont les couleurs musicales mâtinées de rock et musique éthiopienne sur « Yeketelale » et sur les scènes du monde, avec le Quintet Madness Tenors qui réunit autour de lui ses compères Mario Stanchev, Benoit Keller (contrebasse), Ramon Lopez (batterie) et le saxophoniste américain George Garzone sur « Madness Tenors – Be Jazz for Jazz », mais aussi avec Louis Sclavis au sein du groupe « OSLO » aka « Ouch! Synthesis Liberty Ørchestra » ou avec Bunktilt qui réunit autour Fred Meyer (guitare), Thibault Martin (batterie) et Steve Mackay, le saxophoniste historique des Stooges.

Passionné de disques vinyles qu’il collectionne depuis longtemps, Lionel Martin est aussi à l’origine du label Ouch! Records dont le catalogue ne cesse de s’étoffer. Sur son site, le label propose une rubrique « Solo Insolent », une émission live mensuelle en exclusivité et participation libre.

On se souvient de « Lionel Martin sur un arbre perché » quand le saxophoniste jouait dans un cèdre du Jardin des Plantes de Rive-de-Gier lors de l’édition 2006 du « Rhino Jazz Festival ». Devenu « Rhino Jazz(s) », le festival invite de nouveau le musicien 07 au 17 octobre 2020 pour une performance peu commune, les “Variations musicales de Lionel Martin”, du jazz au rock en passant par la pop et Stravinsky. Dans son container, Lionel Martin vit et joue sa musique au gré des moments, des envies, des rencontres avec d’autres musiciens, invités par le saxophoniste durant le “Grand Barouf du Rhino” dans la Grande Usine Créative de la Cité du Design de Saint-Étienne.

Le squat créatif de Lionel Martin entre en résonance avec l’exposition et l’atelier éphémère de Robert Combas, musicien et peintre (à l’origine du mouvement artistique de la « figuration libre ») dont trois peintures illustrent la pochette de l’album « Solo(s) ».

« Solo(s) »

Enregistré par Bertrand Larrieu en 2019 sous un pont à Goussainville, dans différents sites du métro de Paris, dans les champs de la Beauce et en extérieur sur les bords de la Loire, « Solo(s) » restitue les atmosphères exaltantes créées par les saxophones et machines de Lionel Martin.

Entre flux aériens et vibrations telluriques, les improvisations de Lionel Martin s’abreuvent aux sources de la liberté et s’alimentent d’une quête intérieure exigeante. On voyage dans l’univers imaginaire du saxophoniste. Bien loin des chemins de la perfection, son monde empreint de spontanéité et de sincérité est éclairé par le doute et la recherche incessante de l’Ailleurs et de l’Autre.

Vibrer jusqu’à chuter

« Solo(s) » ouvre avec Vibrations. Telles des envolées cosmiques, les boucles du soprano interpénètrent le motif tellurique du ténor fougueux et s’installe alors le climat intersidéral d’un voyage musical qui devient peu à peu hypnotique. Plus loin, sur Fictions, le musicien invite à le rejoindre dans son vaisseau spatial imaginaire. A partir d’un motif itératif, le ténor dessine des arabesques, des circonvolutions sonores, ponctuées d’éructations, de frictions et de borborygmes alors que les bruits du métro s’intègrent au fil d’une complainte bluesy, une berceuse souterraine.

Un climat musical plus aérien s’installe ensuite sur Éternité. Un titre plus serein, truffé de motifs insolites et frénétiques d’inspiration mingusienne, qui se termine par une lamentation du ténor. L’oreille accède ensuite à Réalité où les saxophones se croisent. La ligne mélodique du soprano tente de se hisser au-dessus d’un florilège des sonorités de baryton, ténor et alto… et l’on est comme transporté dans une nature où des canards caquettent en palmant sur les rides d’un étang.

Avec La chute advient un changement de climat sonore. Il devient plus électro et incite à la danse. Les boucles répétitives rendent la musique plus organique, plus soul… la transe n’est pas loin !

« Solo(s) » de Lionel Martin, à écouter au casque et à fond !